samedi 31 décembre 2011

Fwd: Tamera Newsletter for New Year 2012

Objet : Tamera Newsletter for New Year 2012

Tamera Heilungsbiotop I

Tamera Newsletter for New Year 2012

Photos.: Tamera Community 2011, the Symbol for Global Compassion is erected, Tamera Choir singing at Christmas Eve in the Church of Relíquias.
(Photographers: Simon du Vinage, Elias Barrasch, Ludwig Schramm)

"2012: The Mayan date represents a planetary shift in consciousness.
We are facing a cosmic opportunity;  a huge door is opening."

Dear friends worldwide,

"We greet the peoples of the Earth. We greet the groups on all continents preparing the new age. We greet the newly developing planetary community. We are in a huge cosmic transformation. The great peace of which we have dreamt so long without avail can now be fulfilled if humanity remembers its sources and builds its culture on new foundations. This process is already taking place."

These sentences mark the beginning of the text "Beyond 2012" written by Dieter Duhm some years ago. Now, the time has come.  We are approaching the year that has become a symbol for the necessity of global change - and also for the growing possibility that the worldwide peace initiatives will join forces to connect to a planetary community for the cooperative co-existence of all beings.
It is clear that such a year has to be well prepared.  This winter serves as a time for us in Tamera to set the course for really becoming a global model and a school for the future. The community of coworkers, guests and students, as well as the whole network, shall be able to take part in peace training which will enable us to develop an overall worldwide alternative, consisting of many decentralized models in the different regions of the world.

Tamera in Review 2011:

    Looking back on Tamera and its network in 2011, we see both great success and great challenges which we take with us into the winter. We would like to make special mention of two highlights of the year: the Global Campus and the breakthrough in building the water retention landscape.

    Global Campus: We say thank you to all those who helped to hold a six-week seminar in Tamera within the framework of the Global Campus. Members of the peace community San José de Apartadó, as well as participants from India, Brazil, Kenya, Egypt, Israel, Palestine, Spain, Portugal and more countries, studied in theory and practise, the basic peace building models - including the building of a mini biogas plant (with Thomas Culhane), helping to build water retention spaces and edible landscapes, seminars in ecology (with Sepp Holzer) and in decentralized energy solutions (with Uli Stempel).  At the core of the studies was the theory of community building and conflict resolution, including the art of daring to be more truthful, even in the area of love.  Colloquia with Tamera´s founders Sabine Lichtenfels and Dieter Duhm imparted deep healing knowledge.  More about the Global Campus:

    Water Retention Landscape: During the summer months, Bernd Müller and his team constructed what is, to date, the largest water retention feature in the south valley of Tamera. With this fourth "lake" we can truly begin to speak of a water retention landscape: Now, the full winter rainfall in this valley will be stored in the ground and released slowly during the summer months.  At the new site, many hectares of new cultivable ground have emerged: terraces with the best topsoil on which an edible landscape and mixed fruit forest will now grow.  A paradise of abundance which will eventually feed the whole Tamera community will soon emerge. The Water Retention Landscape, inspired and built under the supervision of Sepp Holzer, is a large-scale model for the healing of the landscape and for regional food autonomy.  To make this knowledge globally accessable, the IGP conducted the first Water Symposium in August 2011, which brought experts and decision makers together.  More about the Water Landscape:

    By doing all this important ecological work, we saw time and again how important it is to work with inner ecology as well.  Regarding water as a living being and studying its characteristics brought us closer to the characteristics of love: Love also has to flow and to be able to move in order to stay fresh and vital.

    More Highlights of the year were the international conference of the Global Ecovillage Networks (GEN Europe) in June, the installation of a new Photovoltaic Plant, the solar processed harvest kitchen, the Summer University which has become a meeting place for representatives of the international youth movements, a music week in November which brought together forty world musicians, Introductory Weeks which were also conducted in the Russian and French languages, eight very well attended Open Days for Portugal, the ongoing school for feminine peace knowledge, and the responsible participation in the "Green Phoenix Conference" in Switzerland.

    At the same time, we see that - regarding the world situation - we have to act even more effectively and compulsorily.  Tamera, as a model, needs new structures for community and decision making in order to live up to its full potential.  And regarding the many tasks that we have, we are asked even more to let the spirit of calmness act through us.  The growing decentralization of Tamera needs, at the same time, a growing coherence among the coworkers and the working fields - as well as the ability to act quickly and correctly as a group, even in unusual situations.  Knowing all this, we are going into an intensive internal study time in January.  In these weeks, we will formulate more precisely how the program for the new year will look.

Preparing for 2012:
    In 2012, the two core themes will again be "Water" and "Global Peace Education".
    Water: Water topics are deciding factors, in many regions, for whether there will be war or peace, whether people have enough to eat, and whether or not the consequences of climate change lead to disasters.  To such regions belong not only Israel-Palestine, Bolivia, Brazil, and Kenya, but also Portugal and the Mediterranean.  From all these countries, we have received calls from people and initiatives who want to create models for landscape healing and need our help and the help of Sepp Holzer. We want to respond to these calls, just as Sepp Holzer and his advice on building water retention features gave us the knowledge to fix the hydrological balance of a whole landscape.
     A second Water Symposium will take place in Tamera from 27 - 29 of April. Some very interesting sources of knowledge have confirmed their participation.  Together, we will look at water issues from different angles and work on ecological and economical strategies to create Water Retention Landscapes worldwide.  This time, the Water Symposium is also open to the public.  Please download the information here:
    Global Campus:  The Global Campus 2012 will look mainly at Portugal and Latin America. 
    Latin America is a continent in transformation.  The movements and initiatives for peace and justice now need  social and ecological knowledge for developing sustainable solutions and comprehensive models for an autonomous life.  The Global Campus team is planning to spend some weeks in South America.  Among their ideas is to participate in the people´s summit Rio+20 in June in Rio de Janeiro, to conduct a conference in Brazil for all interested people from our South American network and a seminar in Mulatos, which is a part of the peace community San José de Apartadó in Colombia, during which very practical knowledge for autonomy in food and energy shall be shared.

    Tamera, as a central training site for the Global Campus, is based in Portugal – which is also a country in transformation.  Confronting the Bailout and Austerity measures, the social system and the economy of the state is threatening to complete erode. This perspective is, for many Portuguese, very depressing.  But it also calls for creative people and initiatives to come together and say: "Now, more than ever, we have to build alternatives.  Portugal, with its abundance of sunshine, rain and nature, could be the richest country in Europe.  Let us make it a model case for autonomy and cooperation with nature."  Even the president has called young people to go back to the countryside and make the state autonomous.  But facing ecological destruction, most people lack the knowledge of how to heal the landscape and grow food.  In cooperation with initiatives and friends in Portugal, Tamera and the Global Campus team are working on a strategy.  An alliance of landowners, companies, youth movements, economists plus the ecological and social knowledge from Tamera could start an initiative to demonstrate in the Alentejo how to make this land green and fertile again and how Portugal could become a land of abundance.   Initial talks have already taken place.  We want to empower a group of Portuguese youth to attain the necessary knowledge in an intensive educational session in Tamera by helping in the different working fields.

    Grace Foundation: For the economic manifestation of those big plans, Sabine Lichtenfels and Charly Rainer Ehrenpreis created the Swiss "Grace - Foundation for the Humanisation of Money" in 2007.  It has collected more than 800.000 SF for its aims, and the founders want to express their deep gratitude.  They have been able to finance worldwide peace and education projects within the framework of the "Plan of the Healing Biotopes".   The website for the foundation has been updated to fit to the two main goals of the coming year: "Water" and "Global Peace education".   Those of you who want to help ensure that money comes to the places where it serves the most for humane objectives and has a clear effect for building a peace culture: please contact us.  We also need information about similar foundations which we can contact. More:, E-Mail:

To be a Guest or Student in Tamera in 2012:
    In January, we will fix the dates for the coming year.  There are some things that we can already say now:
    - From March on, Tamera will be open for guests again.  The state of trainees will change, but there will still be opportunities to visit Tamera, not only for seminars, but also to work with us in different fields. Please ask for details in our office.
    - Every month, beginning in March, we will have an introduction week. The information for this will soon be available on our website. There is also a possibility of booking introduction weeks for whole groups in a certain language.  For this, please contact our office as soon as possible.
    - The basic semester for the peace education will be different in the coming year.  It will be more comprehensive and emcompass more semesters.  It will also incorporate more practical areas which are needed to build models for autonomy in food and energy.  The education will mainly be for young people and representatives of the worldwide youth movements for social justice, and it will be directed by young teachers from Tamera who will be fully supported by the founders' generation.  Laura Czajkowski, one of the young facilitators: "In school, I always dreamt that on the walls there would be statements like: School of life, school of love.  I want to make this dream come true now."  The dates for the new semester will be published very soon.  All interested people, please contact the office for information.
    - The Summer University will take place from August 1 - 10, 2012.
    For more information: and soon on our website.

More news from Tamera and the network:
    Meiga Publishing is presently publishing several issues of exciting books in different languages:
    - In December 2011, a new version of Dieter Duhm's "Aufbruch zur Neuen Kultur".
    - Sabine Lichtenfels´ book, "Dream Stones" was published in Portuguese, and "Tempel der Liebe" was published in English.
    - In January 2012, Dieter Duhm´s "Towards a New Culture" will be published in English
    - and from the same author, "La Matriz Sagrada. Tomo I" - (part 1 of the "Sacred Matrix) in Spanish.
    Beyond that, there is plenty of study material in many languages for free download at:

    The new "Big South Lake" is coming alive (and is still looking for financial supporters).  The ecologists write: "With every walk to the South Valley of Tamera, we are moved by the vastness and beauty of this new space, fresh and blossoming with life.  In gentle curves, the dam and the large new terraces and slopes  nestle into the land. They form and surround the new retention space, which is now gradually filling with water. We deeply thank all the forces that helped and supported these successes!  Now, we are looking for people who love our work, and will donate money to help cover the building costs." More:

    Peace Massages and Peace Messages:  For Christmas, the cosmetic company Lush (Fresh Handmade Cosmetics) introduced a new product: "Peace Massage Bars" made with cocoa butter from the Colombian Peace Village of San José de Apartadó, a close partner project of Tamera. Lush: "We decided to use our trade to help support their difficult position in the region.  Caught in the crossfire of a brutal 40 year civil war, the community is striving to break the cycle of violence and refusing to bear arms or take part in the prolific drug trade in the area." On their website, Lush also offers a very easy and safe form for writing e-mails directly to the fax machine of the Colombian president, asking him to stop the violence and to protect the peace community.  For peace in Colombia, you can do two easy things: Give peace massages and send peace messages..

    Alternative World Water Forum: Representatives of Tamera will take part in the Alternative World Water Forum (FAME) from 14-17 of March in Marseille and present the methodology for Water Retention Landscapes.  The Forum is a meeting of civil movements and groups worldwide who want to manifest the human right for water, which was a resolution of the UN in 2010:  Every being must have free access to drinking water. Ecological and sustainable alternatives in water management that could help to overcome the global water crisis will be presented.  More:

With best wishes!

The Tamera Community

P.S.1: Don´t forget: 1000 supporters by end of the year 2012! With a monthly contribution in the amount of your choice you become part of the realisation and part of the increasing planetary community, which will bring peace models into being worldwide. More:
P.S. 2: Don´t forget: The School of the Future: You can take part at the peace study 2012, by receiving and studying the texts: Please write to:
P.S. 3: Please send us a mail should you no longer wish to receive our newsletter.
If you do not receive the newsletter in a proper version, please open it here:

vendredi 30 décembre 2011

Fwd: Conférence “couleur, mode et design”

Date: 12/29/2011

Subject: Conférence "couleur, mode et design"

à l'occasion de la signature par Olivier Guillemin & Olivier Védrine 
de P[o,o]LYCHROMIE - Éditions du Regard 

Lundi 16 janvier 2012 
de 18h à 20h30 

Le Lieu du Design 
74, rue du Faubourg Saint-Antoine 
75011 Paris 

Réservation obligatoire : 

De la mode au design, de l'EXPÉRIENCE ROUGE (Galerie Néotu, Paris,1995), à l'EXPÉRIENCE BLEUE (Sèvres - Cité de la Céramique, 2010), P[o,o]lychromie témoigne du rôle de la couleur dans la création contemporaine. Le propos de cette rencontre est d'explorer l'impact de la couleur dans l'évolution du rapport entre la mode et le design. Une approche transversale, au travers du regard prospectif d'Olivier Védrine et Olivier Guillemin, éclairée de témoignages d'experts. 

Intervenants : 
- Olivier Guillemin, directeur créatif - [o,o] et président du Comité Français de la Couleur 
- Olivier Védrine, architecte-designer - [o,o] 
- Annie Mollard-Desfour, présidente du Centre Français de la Couleur, linguiste et lexicographe au CNRS 
- Lydia Kamitsis, historienne de la mode et commissaire d'expositions 
- Gilbert Meyer, fondateur et directeur de Dacryl 

18h : accueil des participants 
18h30 : début de la conférence 
19h30 : débat et signature de l'ouvrage

mercredi 28 décembre 2011

Fwd: [Sri Aurobindo Ashram] To celebrate the coming of 2012 , a video...

To celebrate the coming of 2012 , a video...
Nilesh Nisar28 décembre 08:34
To celebrate the coming of 2012 , a video watchable online:
Or directly on youtube:

Evolution Fast-forward
An Auroville-produced video about the vision and work of Sri Aurobindo
and the Mother, done entirely using computer motion graphics. It
presents the evolutionary crisis, the two negations and the synthesis
of Consciousness and Force. For those who already know about Sri
Aurobindo and the Mother the video provides a contemporary way of
presenting their teachings. For the new generation who may not know
about these two visionaries, the narrative style of the video using
universal symbols makes their vision and world view easy to access.

Would love to have feedback and support through our website for this
non-profit movement.

Fwd: Cyril Dion a partagé un lien sur Facebook.

Cyril Dion
Cyril Dion a partagé un lien.
Les anonymes, héros de l'histoire en marche
En 2011, le peuple a fait son grand retour sur la scène de l'actualité, renversant des dictateurs, dénonçant les marchés financiers. Au sein de ces mouvements, des inconnus qui souvent s'engageaient, pour la première fois...

mardi 27 décembre 2011

Une petite synthèse sur l'art pour préparer la prochaine Université Intégrale

L'histoire de l'art est la discipline qui a pour objet l'étude des œuvres dans l'histoire, et du sens qu'elles peuvent prendre. Elle étudie également les conditions de création des artistes, la reconnaissance du fait artistique par un public, ainsi que le contexte spirituel, culturel, anthropologique, idéologique et théorique, économique et social de l'art.

Cette discipline universitaire est fondée sur la recherche, l'actualisation et la transposition de problématiques historiques, scientifiques, autour de phénomènes artistiques et culturels. Ainsi, l'histoire de l'art est spécialisée dans la création artistique et ses divers dimensions et concepts (parfois compris comme des fictions) : idée (l'art, la culture), objet (l'œuvre, la technique, la matière), individu (l'artiste, le spectateur), langage (les discours portés dans et autour de l'objet d'art, le medium, la perception), expérience poétique (qu'est-ce que faire œuvre ?) ou imaginaire (la représentation, la figure).

Schématiquement, l'histoire de l'art telle qu'on l'a conçue de la Renaissance - depuis Giorgio Vasari et sa Vie des Artistes célèbres (Le Vite), en passant par le xviiie siècle de Johann Joachim Winckelmann jusqu'au xixe siècle hégelien - est l'histoire d'un progrès de l'art.

L'art est supposé passer d'un stade archaïque à un stade classique puis tomber en décadence.

L'art grec et romain sont présentés en exemple de cette courbe de développement.

Pour l'art grec, la notion d'art était différente de celle qui est présente dans la civilisation occidentale. En effet, en grec, le mot « art » se disait tekhné, la technique. Les Grecs ne faisaient ainsi aucune différence entre l'artisan et l'artiste ; seul le « faire » semblait avoir son importance.
La période archaïque correspond à l'art minoen, mycénien et cycladique ; la période classique à l'apogée de la création attique (le Parthénon à Athènes contemporain des sculptures de Phidias du théâtre d'Aristophane et des philosophes Platon, Socrate...) ; s'ensuit la décadence de la république athénienne et celle concomitante de l'art hellénistique jusqu'à l'invasion romaine.

Pour l'art romain, la période archaïque est celle de l'art fruste et austère de la République ; l'art classique correspond à l'apogée de l'Empire ; l'art du Bas-Empire (en particulier paléochrétien) aux formes simplifiées sera perçu comme une décadence sous les coups de boutoir des invasions barbares.

Le tournant de cette perception a lieu avec la publication, en 1901, à Vienne, de l'ouvrage d'Aloïs Riegl, L'art du Bas-Empire romain qui montre que la création artistique qui accompagne la chute de l'Empire romain, ne doit pas être interprétée comme décadence, mais comme changement de norme et naissance d'un nouveau paradigme. On notera la concordance entre la publication de cet ouvrage théorique et la pratique artistique de la Sécession viennoise qui s'affranchit alors des canons des Beaux-Arts, quelques années plus tard Kandinsky et Kupka créent les premières œuvres abstraites et Picasso et Braque le cubisme ; comme pour donner raison à Riegl...

À partir de là, l'histoire de l'art (jusque-là prisonnière du paradigme de la Renaissance : faire « revivre » l'apogée des arts antiques et expliquer quelles sont les conditions esthétiques – mais aussi politiques, économiques – de la création d'un art « classique ») reconnaît la pluralité des normes stylistiques simultanées (d'où aussi, étant donné l'effondrement d'un effort dogmatique et normatif, la multiplication des courants artistiques) et s'attache à constater, répertorier, comparer, expliquer les arts plutôt que l'art.

Le découpage chronologique (en relation avec les aires géographiques et culturelles52) pose les mêmes problèmes de pertinence qu'aux historiens (voir les remarques au début des articles suivants) : Préhistoire et Protohistoire, Antiquité et Antiquité tardive, Moyen Âge, Époque moderne, Époque contemporaine. Et il est significatif que les grands ensembles non occidentaux restent relativement sous représentés ou traités à part dans les histoires générales de l'art, en particulier les arts dits premiers (l'art d'Afrique, d'Océanie, de l'Arctique, des Amériques), l'art de l'Asie (d'Asie centrale, de l'Inde, de l'Asie du Sud-Est, de Chine, et du Japon) et de la civilisation musulmane ou du Proche-Orient.

Remarquons qu'entre autres imprécisions, il faut pour l'art moderne distinguer le temps qui correspond à l'époque moderne des historiens (entre le Moyen Âge et le xixe siècle) et les œuvres qui ont participé aux idées de modernité et d'avant-garde dans l'art (depuis le milieu du xixe siècle, ou le début du XXe) plutôt associées à la période contemporaine en histoire. Effectivement on considère habituellement que l'art contemporain recouvre tout l'art actuel pour un groupe d'individu (évidemment avec des restrictions très variables sur ce qui est reconnu comme actuel, vivant, nouveau ou à la mode), mais aussi l'art qui a des conséquences directes sur l'art actuel (dans le cas des œuvres de Marcel Duchamp, par exemple).

Ces diverses difficultés posent en plus la question de l'universalité de l'art (comment comparer ce qui est comparable ? Peut-on l'appréhender dans une seule « histoire » ?). En ce sens l'approche synchronique et diachronique des œuvres (« à un moment précis » et « dans ses évolutions ») permet aussi d'aborder les langages de l'art hors de limites chronologiques et géographiques perçues comme arbitraires.



Les expressions art premier et art primitif sont employées pour désigner les productions artistiques des sociétés dites « traditionnelles », « sans écriture » ou « primitives ». Par extension, le terme désigne communément la production artistique traditionnelle des cultures non-occidentales. L'expression « art primitif », liée au colonialisme est nettement péjorative et est depuis quelques années tombée en désuétude au profit d' « art premier ». Mais cette expression plus valorisante reste controversée dans la mesure où elle traduirait aussi une conception évolutionniste et ethnocentriste des sociétés humaines. L'appellation « Musée des arts premiers », initialement envisagée, a été abandonnée pour désigner le Musée du quai Branly.

Les expressions « art sauvage », « art tribal », « art ethnographique », « art traditionnel » ou « art archaïque » sont également utilisées, sans être entièrement satisfaisantes non plus. L'expression « art ethnique » est utilisée pour souligner la relation particulière entre certaines formes d'art et leur origine ethnique. Par ailleurs, certains auteurs parlent de « faux primitif » ou d'« art touristique » pour souligner l'exploitation et les récupérations commerciales ou touristiques dont ces formes d'art sont parfois l'objet.



Le terme classicus désigne en latin la classe la plus fortunée de la société. Par glissements successifs, le terme a désigné la dernière classe des auteurs, c'est-à-dire les écrivains de référence, ceux qu'on étudie dans les classes. C'est à partir de ce sens que le mot a été utilisé pour désigner d'une part les auteurs de l'Antiquité dignes d'être imités et d'autre part les auteurs français du xviie siècle qui ont développé un art de mesure et de raison en défendant le respect et l'imitation des Anciens. Le terme de classicisme est utilisé pour la première fois par Stendhal en 1817 pour désigner les œuvres qui prennent pour modèle l'art antique par opposition aux œuvres romantiques.

Le classicisme renverrait à un moment de grâce de la littérature française où l'esprit français se serait le plus parfaitement illustré. Ce moment correspondrait à la seconde moitié du xviie siècle, voire plus précisément encore aux années 1660-1680. Cette vision est défendue par les historiens de la littérature du xixe siècle. De ce fait, le classicisme a servi de repoussoir à tous ceux qui défendaient une littérature moins réglée, à commencer par les romantiques. Le terme de classicisme appliqué à une période de la littérature nationale est propre à la littérature française. Les autres littératures européennes réservent ce terme aux premiers auteurs classiques, c'est-à-dire les auteurs de l'Antiquité grecque qui ont servi ensuite de modèle à toute l'Europe.

Le classicisme à la française ne se définit cependant pas seulement par des critères historiques. Il répond également à des critères formels. Les œuvres classiques reposent sur une volonté d'imitation et de réinvention des œuvres antiques. Elles respectent la raison et sont en quête d'un équilibre reposant sur le naturel et l'harmonie. De ce fait, de nombreuses œuvres du xviie siècle ont été écartées par les partisans du classicisme car elles ne répondaient pas aux normes classiques. Le terme baroque a été plus tard emprunté aux arts plastiques pour désigner cette littérature qui ne rentrait pas dans les cadres théoriques de l'époque, en particulier la littérature de la première moitié du xviie siècle. Mais il va de soi que les auteurs du xviie siècle n'avaient pas conscience de ces catégories et que la littérature dite baroque a très largement nourri la littérature dite classique. Il en va de même pour le maniérisme qui précède le classicisme et le rococo qui le suit. Roger Zuber définit le classicisme à partir de la notion de goût qui désignerait une capacité à trouver un équilibre juste entre des tendances contraires. Ce goût serait né dans les salons mondains et aurait profondément influencé la littérature de la seconde moitié du siècle.



On considère en général que la période de l'histoire de l'art que l'on désigne sous l'appellation d'art moderne commence en 1907, avec Les Demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso, et s'achève au milieu des années 1960, avec l'apparition du mouvement Fluxus et du pop art, deux des racines de l'art et du vocabulaire actuel de l'art dit « contemporain ».


Naissance de l'« art moderne »

L'art moderne se différencie par sa volonté d'autonomie et dans la naissance de la critique d'art. En effet, au même moment, l'art devient sujet d'écriture : la critique est souvent un discours engagé sur l'œuvre. Goethe et Matisse écrivent sur la couleur. De nombreux artistes publient des textes ou des manifestes (dadaïsme, futurisme, surréalisme, etc.2).

L'apparition de la photographie exerce une influence sur de nombreux artistes du xixe siècle, puis du xxe siècle, depuis Degas jusqu'à Picasso, Matisse, Miró, et bien d'autres qui deviendront les figures éminentes de l'art moderne. De ce fait, les artistes se revendiquant de l'art moderne s'exprimeront à travers une multiplicité de médiums : dessin, peinture et sculpture, en premier chef, mais aussi photographie, cinéma, céramique, architecture, arts décoratifs ou arts de la scène. Ainsi, Picasso s'intéresse à tout ce qui relève des arts visuels ; Dalí fait du cinéma avec Luis Buñuel et transpose en sculptures certains de ses thèmes picturaux ; Le Corbusier est également peintre ; Brassaï photographie, mais aussi dessine ; etc.

La notion d'« art moderne »

La notion d'« art moderne » se définit à la fois par le style et le choix des sujets. Elle caractérise en propre l'art de la première moitié du xxe — 1905 est l'année du scandale des Fauves au Salon d'automne —, mais c'est entre 1950 et 1960 que le terme même de « moderne » prend tout son sens et est employé pour cerner une période.

La notion de modernité envahit l'art et les institutions au xxe siècle, mais elle émerge vers 1850 pour désigner les grands changements survenus au xixe siècle provenant des révolutions techniques et industrielles.

La « modernité » est un mode de pensée, de vie et de création qui se veut résolument nouveau, fondé sur le changement et en réaction (comme c'est toujours le cas lors d'évolutions majeures) aux temps qui l'ont précédé.

Dans Le Peintre de la vie moderne, Baudelaire trouve la beauté dans la rue et il la voit changeante, mobile ; chez l'artiste moderne, il salue l'aptitude à dégager du transitoire du quotidien l'éternel de la beauté.

Chez Walt Whitman, on s'attache à observer l'impressionnant quotidien en perpétuel mouvement.

La beauté n'est plus désormais l'apanage de l'Antique. La culture de masse et le divertissement populaire écrasent et signent la fin de l'exaltation de la morale officielle. On trouve de nouveaux sujets à traiter empreints d'une modernité toute nouvelle, notamment ceux issus de la Révolution industrielle. Ainsi La Gare Saint-Lazare de Monet, où l'on ne trouve guère de regard nostalgique ; c'est là la modernité véritable.

La touche impressionniste, apparente, se distingue de la touche plus lisse qui était auparavant de mise dans les conventions de l'époque. On observe également une plus grande liberté dans les couleurs.

D'un point de vue institutionnel, l'émergence de la modernité ébranle l'Académie dans son pouvoir d'autoriser ou non l'entrée d'une œuvre au Salon. Les jurys des salons commencent à perdre leur crédibilité absolue pour les peintres, l'État et le public.

En 1863, lors du Salon des Refusés, Napoléon III décide de « laisser le public seul juge », et c'est un déchaînement de rires et de sarcasmes qui s'abat sur Le Déjeuner sur l'herbe de Manet ; cela met très nettement en évidence quelle influence le jury exerce sur l'opinion du public.

En 1884, l'Académie ne dirige plus les Beaux-arts et perd ainsi en légitimité aux yeux des artistes ; cette perte d'autorité favorise l'émergence de la création dite « bohème », ainsi qu'un renouveau du marché de l'art dans lequel les galeries deviennent des acteurs de tout premier plan.

Les peintres « hors-académie » refuseront finalement d'être exposés à côté des peintres académiques. C'est la raison de la création en 1885 du Salon des Indépendants, en 1890 du Salon de la Société nationale des Beaux-arts ainsi que du Salon d'automne en 1903.


La notion d'« avant-garde »

La notion d'« avant-garde » est revendiquée par les artistes dans leur priorité à la recherche et à l'innovation, en continuité directe des expositions universelles, dès 1851 et de manière quasi-simultanée. Cette affirmation du nouveau va de pair avec une rupture totale d'avec les conventions : les catégories conventionnelles sont ébranlées (huile sur toile pour la peinture, marbre ou bronze pour la sculpture...) et amènent les artistes du xxe siècle à en créer de nouvelles telles que les collages, les assemblages, les « ready-made », etc. Ce sont les « avant-gardes » (terme issu du vocabulaire militaire et qui désigne une troupe dégagée et envoyée en éclaireur).
 L'avant-garde n'est pas le fait d'un artiste isolé, mais plutôt d'un groupe qui s'unit pour défendre sa production, la « lutte » étant un passage obligé pour la diffusion de leur vision nouvelle du monde. Il n'y a donc pas une avant-garde mais plusieurs, constituées de groupes d'artistes plus ou moins organisés.

En 1936, Alfred Barr propose au Museum of Modern Art de New York une exposition dans laquelle il met en place une table généalogique de l'art moderne. Elle traite de l'héritage de l'impressionnisme et son classement ne se fait désormais plus par école nationale mais selon l'observation d'un mouvement international durant une période de cinq années de façons successives. La table met clairement en évidence la multiplicité des groupes, leurs substitutions constantes ainsi que leur mouvement perpétuel.


Chronologie des mouvements et artistes de l'art moderne

Avant 1914

                Art nouveau : Gustav Klimt, Alfons Mucha

                Fauvisme : André Derain, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck

                Cubisme : Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger, Pablo Picasso

                Futurisme : Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà

                Expressionnisme : James Ensor, Oskar Kokoschka, Edvard Munch, Emil Nolde

                Abstraction : Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch

                De Stijl : Piet Mondrian : (début en 1917)



                Bauhaus : Vassily Kandinsky, Paul Klee

                Constructivisme : Naum Gabo, László Moholy-Nagy

                Dada : Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters

                Expressionnisme : Georges Gimel

                Surréalisme : Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, André Masson, Joan Miró

                Nouvelle Objectivité (« Neue Sachlichkeit ») : Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz

                Figuratifs : Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Antoine Martinez, Alice Martinez-Richter Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz, Claude-Max Lochu

                Non figuration : Jean Bazaine, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier, François Baron-Renouard

                Art brut : Jean Dubuffet, Gaston Chaissac



                Art figuratif : Jeune peinture de l'École de Paris, Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Jean-Pierre Alaux, Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz, André Hambourg, Paul Collomb, Emile Frandsen

                Nouvelle figuration (figuration européenne) : Francis Bacon, Alberto Giacometti, René Iché, Marino Marini, Henry Moore

                École de Londres : Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Kossof, Andrews

                L'expressionnisme abstrait ou l'Action Painting : Mark Rothko, Willem de Kooning, Jackson Pollock

                Expressionnisme abstrait américain : Willem de Kooning, Jackson Pollock

                Non figuration - Abstraction (dite, pour certains, « lyrique ») : Jean Bazaine, Roger Bissière, Nicolas de Staël, Jean Dubuffet, Joseph Lacasse, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier

                Matiérisme : Jean Dubuffet, Jean Fautrier

                Happening - Fluxus : Allan Kaprow, George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell

                Art video : Nam June Paik, Wolf Vostell, Bill Viola

                Pop Art : Andy Warhol, Tom Wesselmann, Jasper Johns


Notes et références

                On ne le confondra pas avec la « période moderne » en Art, amorcée avec la Renaissance du xve siècle : Ainsi l'art « ancien » de Giotto (maniera vecchia) est opposé à l'art « moderne » de Léonard (maniera moderna), ensuite suivra l'époque contemporaine

                Voir Mouvements en peinture





L'expression « art contemporain » désigne de façon générale et globale l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quelle qu'en soit le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales, ... montrant les œuvres de cette période.

L'expression « art contemporain » est aussi utilisée en France, avec un sens plus restreint, pour désigner les pratiques esthétiques et réalisations d'artistes revendiquant « une avancée dans la progression des avant-gardes ». On parle aussi d'art contemporain pour désigner, par convention, l'art des années 1960 et d'après. Le Pop Art marquerait, de ce fait, une rupture par rapport à l'art moderne.

La notion de « contemporain » est d'abord une notion historique. De ce point de vue, l'art contemporain commencerait à partir de 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et, par commodité, la plupart des ouvrages, lorsqu'ils évoquent ce sujet, traitent de la période qui débute en 1945 et va jusqu'à nos jours, avec le déplacement de différents lieux artistiques médiatisés, essentiellement occidentaux jusqu'à ces dernières années, de Paris ou Londres vers New York. Avec la chute du mur de Berlin, en 1989, et la montée en puissance de la Chine dans le même temps, le monde de l'art contemporain s'est... mondialisé, l'Afrique et l'Amérique latine n'échappant pas à ce mouvement. 1945 est aussi la date repère utilisée par les sociétés de ventes volontaires comme Sotheby's, pour la peinture et la sculpture, même si Christie's considère que la peinture contemporaine commence après 1960 (Christie's utilise une catégorie intermédiaire « Art des années 50 » pour la période 1945-1960).

La notion de « contemporain » signifie également simultanéité entre deux choses. Donc est contemporain ce qui est dans le même temps que le sujet. L'art contemporain serait donc l'art qui se fait aujourd'hui. Mais, appliquée à l'art, cette notion, sans perdre son caractère historique, revêt de surcroît un caractère esthétique. Ce caractère devient polémique, puisque les acteurs n'ont pas le recul nécessaire pour effectivement apprécier les œuvres. La désignation « art contemporain » ne doit donc pas uniquement être prise au sens chronologique, car toutes les productions contemporaines n'appartiennent pas à l'art contemporain, ni ne se revendiquent de l'art contemporain.

De nouveaux critères permettent de définir ce qu'est l'art contemporain. Un des premiers est la transgression vis-à-vis du passé ; ainsi l'art contemporain voudrait affirmer son indépendance non seulement par rapport aux arts dits « classiques », aux « beaux-arts » et à ses catégories (peinture, sculpture, etc.), mais aussi face à l'art moderne. L'art contemporain possède donc en lui-même de nécessaires partis-pris. Il s'inscrit à la suite de l'art moderne et voudrait mettre, en quelque sorte, fin à celui-ci.

Régulièrement, l'expression « art contemporain » n'est utilisée que pour des artistes encore vivants et actifs ou pouvant encore l'être, ce qui placerait le début de l'art contemporain dans les années 1960, avec le pop art, Fluxus, les happenings ou l'art vidéo. C'est avec ces mouvements artistiques que prendrait fin l'art moderne et la théorie de Clement Greenberg qui le définissait comme la recherche de la spécificité du médium. À partir de 1972, certains voient une nouvelle césure et parlent (à tort ?) d'« art actuel » ou d'« art vivant » marquant une scission avec le pluralisme des mouvements.

Dans cette recherche permanente d'une définition du contemporain, la critique d'art et les institutions jouent un rôle de premier plan. Ainsi sont généralement exclues de l'art contemporain « labellisé » les formes d'art dont la démarche ou les problématiques ne reflètent plus les tendances promues par la critique « contemporaine ».


Le postmodernisme désigne un mouvement artistique, théorisé par le critique d'art Charles Jencks, qui engage une rupture ironique avec les conventions anhistoriques du modernisme en architecture et en urbanisme, tout particulièrement avec les prétentions à conclure l'histoire et à ignorer la géographie. Dans Le Langage de l'architecture post-moderne, paru à Londres en 1977, qui est le livre-manifeste de ce mouvement, Charles Jencks réinscrit l'architecture dans le fil d'une histoire générale des mouvements artistiques, incite à un retour aux compositions et aux motifs empruntés au passé, à un éclectisme s'appuyant sur un regard nouveau portant aussi bien sur la culture populaire et son expression architecturale (le « vernaculaire commercial » de Robert Venturi), que sur la culture savante (le « néoclassique » de Ricardo Bofill).

Le postmodernisme est un courant majeur de la création architecturale, et plus généralement artistique, de la fin du xxe siècle. Il a introduit une distance critique par rapport au discours moderniste devenu hégémonique. Considéré aux USA comme un terme purement stylistique, le postmodernisme est la réintroduction de l'éclectisme en architecture, mais en englobant aussi le Modernisme et le Style international, reconsidérés comme de simples moments de l'histoire de l'architecture avec lesquels on a pris ses distances. Mais en Europe, ce discours critique porte aussi sur la décontextualisation sociale, politique et géographique de l'urbanisme moderne admettant des contre-propositions comme celles de Christopher Alexander ou de François Spoerry.

Bien qu'ils soient souvent employés indifféremment, il importe de distinguer le postmodernisme en tant que mouvement artistique, du postmoderne au sens philosophique ou littéraire, lesquels ont souvent des sens contradictoire ou opposés.

En effet, le postmoderne est à l'origine un paradigme esthétique, inventé au tournant des années 1970 par le critique littéraire américain Ihab Hassan, pour désigner une forme d'hypermodernisme en littérature. Le mot postmoderne a été repris par le philosophe Jean-François Lyotard, avec la publication en 1979 de La condition postmoderne - rapport sur le savoir puis de lettres ouvertes recueillies dans Le postmoderne expliqué aux enfants. D'autres essais lui ont succédé : celui de Fredric Jameson en 1984, de Hassan lui-même en 1982, etc. Bien que généalogiquement toutes liées, les différentes acceptions philosophiques et littéraires du paradigme postmoderne sont foisonnantes, en venant souvent à se corriger voire à s'exclure mutuellement. Il convient donc d'être toujours attentif à l'auteur auquel on se réfère pour éviter les contresens.


L'esthétique postmoderniste

Recyclage de formes préexistantes : citation, pastiche, parodie

Si le modernisme se caractérise par la recherche de l'originalité et la volonté de création de formes nouvelles, inédites, insolites, le postmodernisme admet qu'il réutilise des formes préexistantes, y compris les plus familières. Là où Le Corbusier veut renouveler complètement non seulement le style des bâtiments mais la conception même de l'habitat, un architecte tel que Ricardo Bofill utilise des principes de composition et des éléments décoratifs empruntés à l'art classique ou antique (colonnes, frontons, etc.). L'innovation moderne se fonde toujours sur l'oubli ou l'ignorance des traditions propres à chaque art, lesquelles sont considérées comme un frein à une véritable création. Ce qui caractérise au contraire l'artiste postmoderne, et son originalité, c'est qu'il a su acquérir une maîtrise assez parfaite de l'histoire et des techniques les plus académiques de son art.

Les références à l'art du passé peuvent prendre des formes très diverses, depuis l'utilisation de détails stylistiques jusqu'à l'application rigoureuse de règles formelles anciennes, telles que la composition, la symétrie, l'ordonnancement, etc. Les modalités peuvent également varier, de l'hommage à la citation ironique. Mais le plus caractéristique de l'attitude postmoderne est l'« hommage ironique » qui joue sur l'ambiguïté : ainsi l'hommage à Nijinski du sculpteur Barry Flanagan présente un lièvre burlesque dans une pose du danseur.


Syncrétisme esthétique : collage, mixage et mélange

L'œuvre postmoderne se présente souvent comme un collage d'éléments hétéroclites sans souci d'harmonie. On prendra pour exemple le roman At swim-two-birds de l'Irlandais Flann O'Brien qui met bout à bout des textes de genres aussi divers que le western et l'épopée médiévale, en passant par le conte de fées et le vaudeville.

Les procédés du collage et du détournement ne sont pas en eux-mêmes des spécificités du postmodernisme puisque c'est le surréalisme qui les a proposés. Les romans modernistes de la trilogie U.S.A. de John Dos Passos ou ceux de la trilogie Les somnambules de Hermann Broch se présentent également sous forme de collages de textes appartenant à des genres divers. Mais dans ces deux cas, le but recherché est d'effectuer une synthèse entre ces éléments pour appréhender une réalité complexe : les États-Unis pendant la grande dépression pour Dos Passos, la perte des valeurs en Europe occidentale pour Broch.

L'artiste postmoderne recherche au contraire le contraste entre les différents éléments et l'effet de distanciation qui en résulte.


Culture populaire et culture élitaire

Si le postmodernisme efface le temps et l'espace pour rendre toute la culture immédiatement présente, il efface aussi la hiérarchie entre culture élitaire et culture populaire. On peut citer par exemple l'adoption et le détournement de genres populaires par des écrivains : roman policier dans Cosmos de Witold Gombrowicz, roman d'espionnage dans Lac de Jean Echenoz, etc.

Un exemple particulièrement frappant de cet effacement est la convergence entre l'art contemporain et la publicité. Ainsi de l'Américain Andy Warhol, chef de file du pop art, qui fut publicitaire avant de devenir artiste et dont l'œuvre repose sur l'imaginaire populaire (marques, stars, clichés, etc.). À l'inverse, on voit de nombreuses publicités détourner des œuvres de l'histoire de la peinture.

De fait, la seconde moitié du xxe siècle est marquée par l'explosion de la culture de masse, relayée par une industrie des médias toujours plus puissante. Cette culture médiatique touche toutes les classes sociales et devient l'un des fondements de l'imagination collective.


L'ironie postmoderne

L'ironie est considérée comme la caractéristique essentielle du postmodernisme. Plus généralement, on peut considérer que là où le modernisme place l'auteur et la création au centre de son esthétique, le postmodernisme fait jouer ce rôle à l'interprétation et au public. C'est pour cette raison qu'on lui a reproché de se conformer aux impératifs du marketing, ce qui serait juste s'il n'existait pas le décalage ironique qui assume tout aussi bien le fait de déplaire, ou d'irriter.

Le simple fait d'apporter un regard nouveau sur un texte ou une œuvre picturale amène à en faire une œuvre nouvelle. Le plasticien Jeff Koons s'est ainsi rendu célèbre en transformant des objets kitsch en œuvres d'art. Ce regard ironique se pose aussi naturellement sur l'œuvre postmoderne elle-même, et aboutit à l'autocommentaire. On pourra citer l'exemple de Feu pâle de Vladimir Nabokov, formé d'un récit poétique et du commentaire de ce récit, ou de L'œuvre posthume de Thomas Pilaster d'Éric Chevillard qui fonctionne sur le même principe. On est proche ici de l'effet de distanciation théorisé par Bertolt Brecht ou Victor Chklovski.

Ce qu'il y a de commun aux artistes postmodernes, c'est la faculté de reprendre et de faire revivre les codes traditionnels les plus sérieux, en évitant de se prendre au sérieux, sans toutefois les déconsidérer en tombant dans des formes de dérision.


Épistémologie moderne et ontologie postmoderne

Le critique Brian McHale compare la différence existant entre le modernisme et le postmodernisme à celle qui sépare l'épistémologie (théorie de la connaissance) et l'ontologie (théorie de l'être). Ainsi, le modernisme cherche à construire une image fidèle du monde réel, en dépassant les limites de la perception humaine. Le postmodernisme s'interroge plutôt sur le statut du monde fictionnel créé par l'œuvre d'art et son rapport au monde réel. L'exemple par excellence en est la vertigineuse nouvelle Tlön, Uqbar, Orbis Tertius (publiée dans le recueil Fictions) de Jorge Luis Borges dans laquelle le monde réel est peu à peu colonisé par le monde fictionnel de Tlön. Il est clair que le postmodernisme se veut ainsi bien éclectique.


Le problème des précurseurs

Le postmodernisme est-il une ère nouvelle lié au développement du capitalisme postindustriel ou un aspect qui a toujours existé ? On peut en effet constater que de nombreuses caractéristiques de l'esthétique postmoderne se retrouvent dans des œuvres du passé, en particulier « l'ironie du double exact », ou le retour à un emploi décalé des figures du classique et du baroque, une sorte d'esthétique du mauvais goût qui permet de resaisir sans lyrisme des valeurs esthétiques démodées.

En littérature, si les prémisses du postmodernisme apparaissent dans At Swim-two-Birds de Flann O'Brien (1939) ou dans Le chiendent de Raymond Queneau (1933), on remarque que ces auteurs ne font que continuer une tradition qui remonte au xviiie siècle avec des œuvres comme Jacques le fataliste, de Diderot ou Le voyage sentimental de Sterne, en passant par Alfred Jarry (Gestes et opinion du docteur Faustroll, pataphysicien).

En architecture, on retrouvera des éléments postmodernes dans l'architecture de la Sécession viennoise, celle de Constantin Melnikov, celle du slovène Jože Plečnik, des principes retrouvés chez Robert Mallet-Stevens, ou beaucoup plus avant au xviiie siècle dans les œuvres les plus étranges de Boulée et Ledoux.

Il reste toutefois que le postmodernisme dans les arts plastiques ne devient un mouvement artistique qu'à la fin des années 1970 avec le manifeste de l'historien de l'art Charles Jencks qui lui donne son nom et le définit.


Exemples d'œuvres et artistes postmodernes

Nous présentons ci-dessous une liste succincte d'œuvres caractéristiques du postmodernisme, sans prétendre à l'exhaustivité. Des articles spécialisés ou des catégories permettent d'approfondir les différents aspects du postmodernisme.



Article détaillé : Postmodernisme (architecture).

                Manolo Nunez, Les Arènes de Picasso, à Noisy-le-Grand.

                Philippe Panerai, Tribunal administratif de Versailles.

                Mario Botta, la Maison ronde, et la partie de son œuvre de composition classique.

                James Wines, Notch project, supermarché Best, 1977, Sacramento

                James Frazer Stirling, Michaël Xilford et associés, le Théâtre de chambre à Stuttgart, 1979

                Michael Graves, le Portland Public services public, 1980, le Sans Juan Capistrano public librairy 1981, etc…

                Ricardo Bofill, quartier Antigone à Montpellier

                Aldo Rossi, Il teatro del mondo, théâtre flottant pour la biennale, 1981, Venise



                Vivienne Westwood

                Christian Lacroix

                Thierry Mugler


Musique Populaire

Article détaillé : Post-Punk.

                Klaus Nomi

                The Residents


Arts visuels

                Samuel Bak

                Claude Verlinde

                Jeff Koons, Balloon Dog



Article détaillé : Littérature postmoderniste.

                Paul Auster, Trilogie new-yorkaise

                Donald Barthelme, Le Roi

                Svetislav Basara, Guide de mongolie

                Jorge Luis Borges, Fictions

                Italo Calvino, Si par une nuit d'hiver un voyageur

                Michael Cunningham, Les Heures

                Raymond Federman

                Vladimir Nabokov, Feu pâle

                Thomas Pynchon, L'Arc-en-ciel de la gravité

Écrivains francophones

                Michel Butor, Mobile11

                J. M. G. Le Clézio[réf. nécessaire]

                Jacques Roubaud, La Belle Hortense

                Philippe Sollers

Voir aussi la catégorie Postmodernisme (littérature).



                Jean Baudrillard, L'Économie politique du signe

                Jean-Pierre Voyer, Introduction à la science de la publicité

                Gilles Deleuze, Leibniz et le pli

La philosophie du postmodernisme dans les arts est à l'opposé de la philosophie postmoderne qui est celle de la condition postmoderne.

Article détaillé : Philosophie postmoderne.


Notes et références

1.              Les mots post-moderne et post-modernisme, appliqués aux arts, apparaissent pour la première fois dans une conférence prononcée par Charles Jencks en 1975 à Eindoven, avec la volonté de clore le mouvement moderne. Auparavant, ce mot avait déjà été utilisé avec le sens opposé. Dans l'introduction du Langage de l'architecture post-moderne, Jencks explique que, lorsqu'il commençait à écrire ce livre en 1975, « le mot et le concept de postmoderisme n'avaient été utilisés que dans la critique littéraire. (…) mais dans le sens d'ultra-moderne, par référence aux romans extrémistes de William Burroughs et à une philosophie du nihilisme et de l'anticonvention. Je connaissais ces écrits, ceux d'Ihab Hassan, et d'autres, mais j'utilisais le mot pour signifier le contraire de tout ceci: la fin de l'extrémisme d'avant-garde, le retour partiel à la tradition, et le rôle central de la communication avec le public : l'architecture est l'art public par excellence ».

2.              Voyez: L'a-historicisme du Bauhaus et ses conséquences", par Bruno Zevi. On doit remarquer que l'anhistoricisme a aussi été, à la même époque, un principe du Freudisme.

3.              La même année Robert Stern parle du postmodernisme dans plusieurs revues comme Architectural design, et le définit par « trois aspects : le contextualisme, la référence historique et l'emploi de l'ornement ». C. Ray Smith publie à New York Hypermanièrisme, Nouvelles tendances de l'architecture postmoderne.

4.              William J R Curtis conteste le rôle d'initateur auquel prétend Jencks. Il voit plutôt en lui un simple compilateur : « Le critique Charles Jencks a rassemblé un étrange assortiment de constructions destiné à illustrer la nouvelle tendance (…) Ni l'auteur ni les exemples choisis ne montraient un grand intérêt pour l'authenticité de l'expression (« postmodernisme ») ; les bâtiments trahissaient tous cette démarche superficielle faisant des modèles d'architecture précédents des amplificateurs de références ou de citations et guère plus. » in L'architecture moderne depuis 1900, troisième édition, Phaidon, 2004, p. 602.

5.              L'ornement est progressivement réhabilité des anathèmes d' Adolf Loos, d'abord esthétiquement par Robert Venturi, puis anthropologiquement dans Recherches sur les fonctions sociales de l'ornement, par Louis Maitrier.

6.              Learning from Las Vegas, par Robert Venturi

7.              Charles Jenks renvoie judicieusement à la définition que donne Hannah Arendt de l'« Espace public » qui est un chapitre de La Condition de l'homme moderne

8.              Charles Jenks rapporte une conversation en 1977 avec Maurice Culot « un des responsables de l'ARU à Bruxelles qui a passé dix jours à Port Grimaud pour discuter avec l'architecte » et qui lui confiera que « ce type de réalisation était ce qui convenait pour le peuple, mais que ses responsables communistes locaux restaient trop attachés aux modèles d'urbanisme des années 1930. » Dès 1972, Henri Lefebvre était venu tenir son séminaire de sociologie urbaine à Port Grimaud.

9.              « Les livres de Jencks (qui lança comme un produit de lessive le vocable de postmodernisme) sont un plaidoyer pour le clientélisme : sondez d'abord les goûts de votre commanditaire avant de vous décider pour le style moderniste de Le Corbusier, le style néo-palladien ou le folklorisme ottoman… » (Y.-A. Bois, 1985).

10.          Expression utilisée à propos des parodies décalées de la mode New-Wave, par Hector Obalk et Alain Soral dans Les Mouvements de mode expliqués aux parents, 1984.

11.          Madeleine Santschi, Voyage avec Michel Butor, Lausanne, Suisse, Éditions l'Âge d'homme, 1980, 223 p. , « p. 40-41 »



                Hannah Arendt, La Condition de l'homme moderne (1959), 1984 trad. française

                Christopher Alexander, Fonctions de l'architecture moderne, 1975

                Bruno Zevi, L'a-historicisme du bauhaus et ses conséquences (1976)

                (en) Christopher Alexander, A Pattern Language : Towns, Buildings, Construction. (1977) New York, Oxford University Press, non traduit

                Peter Blake (architecte), Forms folows fiasco (1978) traduction française en 1980

                Charles Jencks, Le Langage de l'architecture post-moderne (1979)

                Robert Venturi, D Scott Brown, L'enseignement à Las Végas, ou la Symbole oublié de la forme architecturale (1979)

                Gilles Deleuze, Le Pli - Leibniz et le baroque, 1988, Minuit

                Meaghan Morris, The Pirate's Fiancée. Feminism, Reading, Postmodernism, London et New York, Verso, 1988.

                Anthony Giddens, Les Conséquences de la modernité, trad française 2002, L'Harmattan

                Rosalind Krauss, L'originalité de l'avant-garde et autres mythes modernistes

                Arthur Danto, L'art contemporain et la clôture de l'histoire

                Bruno Latour, Nous n'avons jamais été modernes, 2002

                (en) Brian McHale, Constructing postmodernism


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